La obra que inmortalizó el encuentro del talentoso charanguista con el virtuosos pianista se tituló Cheypi. Este disco fue grabado y editado en 1993. También participó del registro Adolfo Ábalos.

Mucha gente, aunque no sean particularmente aficionados al folklore, conocen el nombre de Jaime Torres. Un hombre que, siguiendo el surco abierto, entre otros, por el charanguista boliviano Mauro Núñez, superó los aparentes límites de este instrumento mestizo para darle una gran categoría de solista. Tal vez el nombre de Eduardo Lagos resulte menos conocido para esta gente. Un pianista argentino que exploró las posibilidades del folklore en las fronteras del jazz. ¿Qué pasa cuando dos hombres como estos se juntan? Aquí está el resultado.

Jaime Torres: charango

Eduardo Lagos: piano

Adolfo Abalos: piano y bombo

César Angeleri: guitarra y guitarron

Ricardo Cabrera: bombo, palillo con sonajas, cabasha, chajchas

Hernán Pagola: quena, siku y mohoceños

Maria Mayu: quena y flauta traversa

Jorge Padin: percusión

Kelo Palacios: guitarra

Maria Clara Mendicute: dirigió las voces de los niños del colegio Santa Brigida

Temas:

01 La oncena (chacarera) – Eduardo Lagos

02 Criollita santiageueña (zamba) – Rec. Andres Chazarreta

03 La juguetona (chacarera) – Hnos. Abalos

04 Huayco Hondo (escondido) – Pedro Contreras

05 La catamarqueña (zamba) – Rec. Pacheco

06 La humilde (chacarera) – Cachilo Diaz

07 El quebradeño (carnavalito) – Adolfo y Napoléon Abalos

08 Te recuerdo en cueca (cueca) – Jaime Torres

09 Negrita (taquirari) – Gilberto Rojas

10 El cóndor pasa (yaraví – huayno) – Daniel Alomía Robles

11 El humahuaqueño (carnavalito) – Edmundo Zaldivar (h)

12 Charangueando van / Cerros de la quebrada (canción) – Jaime Torres

Esta obra se tituló “La vida es el arte del encuentro” y se grabó en 1969, en Italia. El arreglador del disco fue el argentino Luis Bacalov. Nuestro chef nos propone escuchar un tema de este singular trabajo musical.

Es imposible pensar en esta obra maestra de Federico Fellini sin la música de Nino Rota. Nuestro chef nos invita a recordar las imágenes de aquella maravillosa obra cinematográfica disfrutando de la música de este maestro de las bandas sonoras.

Altamente dotado, Rota estudió en Roma con Alfredo Casella e Ildebrando Pizzetti, entre otros. Profesor del Liceo Musical de Bari desde 1939, del que llegaría a ser director, desarrolló una doble carrera como compositor de bandas sonoras de cine y compositor de música clásica. Ganó un beca y estudió en el Curtis Institute of Music de Filadelfia. Fue maestro del director Riccardo Muti.

El estilo de Rota, neorromántico, queda inscrito plenamente dentro de la tonalidad, bien acorde con su don innato de melodista.

Escribió música para piano, música de cámara y música sinfónica, dejando tres sinfonías y varios conciertos, de entre los que se destacan su famoso “Divertimento Concertante” para contrabajo y orquesta (dedicado al gran solista Franco Petracchi) y su Concierto para trombón. Destacó igualmente como compositor de escena, siendo el autor de varias óperas.

[editar]Músico de cine

Rota es mayormente conocido y recordado sobre todo por ser el encargado de la música de las películas del director de cine Federico Fellini. Su música suele ser delicada y marcádamente romántica, destacando especialmente sus secciones de viento-madera y cuerdas. También dominó a la perfección la composición para voz. Su banda sonora de La Strada, La dolce vita, Ocho y Medio y Amarcord rivalizan en fama con las que compuso para Luchino Visconti (El gatopardo, entre otras), Lina Wertmüller (Amor y Anarquia), René Clement (A pleno sol) y Franco Zeffirelli (Romeo y Julieta).

Para el Óscar estuvo nominada la partitura de Nino Rota de El padrino en 1972, pero la Academia la cambió por la La huella de John Addison debido a que la música había sido utilizada por Rota en otra película, Fortunella (1958).

Sin embargo, la música de El padrino II, compuesta por Nino Rota junto a la mínima aportación de Carmine Coppola, padre de Francis Ford Coppola, fue nominada y ganadora del Óscar dos años después.

[editar]Filmografía parcial

1933 – Treno popolare de Raffaello Matarazzo

1943 – Zazà de Renato Castellani

1947 – Daniele Cortis de Mario Soldati

1948 – Sin piedad (“Senza pietà”) de Alberto Lattuada

1951 – Anna de Alberto Lattuada

1951 – Due soldi di speranza de Renato Castellani

1952 – El jeque blanco (“Lo sceicco bianco”) de Federico Fellini

1953 – Los inútiles (“I vitelloni”) de Federico Fellini

1954 – La Strada de Federico Fellini

1955 – Alma sin conciencia (“Il bidone”) de Federico Fellini

1956 – Las noches de Cabiria (“Le notti di Cabiria”) de Federico Fellini

1956 – Guerra y paz (“War and Peace”) de King Vidor

1957 – Noches blancas (“Le notti bianche”) de Luchino Visconti

1959 – La gran guerra (“La grande guerra”) de Mario Monicelli

1959 – La dolce vita de Federico Fellini

1959 – A pleno sol (“Plein soleil”) de René Clément

1960 – Rocco y sus hermanos (“Rocco e i suoi fratelli”) de Luchino Visconti

1962 – Boccaccio 70 (Con Armando Trovaioli & Piero Umiliani)

1963 – Fellini 8 ½ (“8 ½”) de Federico Fellini

1963 – El gatopardo (“Il gattopardo”) de Luchino Visconti

1965 – Giulietta de los espíritus (“Giulietta degli spiriti”) de Federico Fellini

1968 – Romeo y Julieta (“Romeo and Juliet”) de Franco Zeffirelli

1969 – Satiricón (“Satyricon”) de Federico Fellini

1970 – Waterloo de Sergei Bondarchuk

1970 – Los payasos (“I Clowns”) de Federico Fellini

1972 – Roma de Fellini (“Roma”) de Federico Fellini

1972 – El padrino (“The Godfather”) de Francis Ford Coppola

1973 – Amarcord de Federico Fellini `

1973 – Film d’amore e anarchia de Lina Wertmüller

1974 – El padrino II (“The Godfather, part Two”) de Francis Ford Coppola (con Carmine Coppola) (Oscar a la mejor Banda Sonora Original)

1974 – The Abdication de Anthony Harvey

1976 – Casanova de Federico Fellini

1978 – Ensayo de orquesta (“Prova d’orchestra”) de Federico Fellini

1978 – Muerte en el Nilo (“Death on the Nile”) de John Guillermin

1979 – Huracán (“Hurricane”) de Jan Troell

La fascinante vocalista figura en la historia del género como la cantante más joven que grabó para el prestigioso sello Verve. Nuestro chef nos propone disfrutar de la versión que hizo esta cautivante canadiense sobre el clásico de Duke Ellintong “It dont mean a thing”.

La cautivante Ligia Piro y el talentoso trompetista Juan Cruz de Urquiza grabaron en el 2010 un disco titulado “Strange Fruit”. En esta obra participaron músicos de la talla de Ricardo Cavalli y “Pipi” Piazzolla. Nuestro gourmet nos invita a disfrutar del tema que supo inmortalziar Billie Holliday, en la versión de la cantante argentina. 

A fines de 1938 Oscar Alemán grabó en Copenhague dos memorables temas ejecutados solo con su guitarra. En aquellas sesiones inventó la técnica que se denomina Fingerpicking. Nuestro gourmet nos propone escuchar la versión que hizo el guitarrista argentino sobre el tema whispering.

El gourmet de la música recordó a Raymond Scott.  Este genio del siglo XX fue uno de los pioneros de la música electrónica y  uno de los compositores que anticipó la modernización del jazz.

Raymond Scott es uno de los mayores genios del siglo XX, en lo musical y en lo mecánico. Compositor genial e inventor de máquinas fantásticas y apariencia monstruosa (imprescindibles para generar los sonidos con que interpretar sus obras, para las cuales los instrumentos convencionales no servían). Es también uno de los principales pioneros de la música electrónica y de toda su teoría. (Para ahorrar un poco de tiempo os recomiendo un repaso a la entrega de esta misma columna de mayo de 2008 y sus referencias a la música concreta: De los dos Pierres, Schaffer y Henry) Pero sobre todo es en realidad uno de los más populares compositores de la historia, por la familiaridad con la que todos hemos disfrutado de su obra, aunque totalmente desconocido para la mayoría de los melómanos. Músico total, pianista soberbio, compositor, director de orquesta, productor, ingeniero e inventor. Uno de esos pro-hombres que hicieron avanzar las posibilidades de la música a una velocidad de vértigo. Pero no sólo por sus desarrollos técnicos, sino también por el carácter de sus trabajos. Convirtió el swing y el jazz en un divertimento totalmente accesible para el gran público, mientras sus obras eran en realidad complejas composiciones, su velocidad, sus continuos cambios de ritmo y sus delirantes efectos otorgaban una apariencia cómica que llegaba a todos los públicos posibles, sin distinción de edad o grupo social.

Raymond Scott se llamaba realmente Harry Warnow, nacido en Brooklyn, New York, en 1908, donde su padre tenía una tienda de instrumentos musicales, y sus hijos pronto se convirtieron en precoces genios multiinstrumentistas. Harry comenzó estudios de ingeniería pero pronto los abandonaría por los musicales, y a su finalización fue contratado como pianista de la banda de la radio CBS que dirigía su hermano mayor Mark. Una vez integrado en la banda, comenzó a aportar sus arreglos y composiciones. Para evitar los comentarios de nepotismo decidió firmar sus trabajos como Raymond Scott, en sus propias palabras «el nombre con más ritmo que había encontrado en la guía telefónica». Estas composiciones siempre eran las más alocadas y extravagantes de la banda, que además acompañaba de títulos tan sugerentes y descriptivos como surrealistas. Una de sus primeras composiciones íntegras para la CBS fue “Confusión entre una flota de taxis al encontrarse con una tarifa”. Pero el trabajo para la CBS era insuficiente para el inquieto Harry. En 1938 forma su propio grupo para dar rienda suelta a toda su inventiva, recluta a otros miembros de la banda de la radio y forma un sexteto, llamado The Raymond Scott Quintet, por que sonaba mucho mejor (a menudo cambiaban la denominación por Quintette o Quinteto según el tipo de composición). Con esa formación pudo poner en práctica todas sus inquietudes y delirios. Sus primeras actuaciones fueron directos emitidos por la CBS, y convertidos en éxitos inmediatos de audiencia en sus múltiples redifusiones como las locuras de ‘Dinner Music for a Pack of Hungry Cannibals’ (audio), ‘Celebration on the Planet Mars’ y ‘New Year’s Eve in a Haunted House’. Pero sin duda su tema más popular en el momento fue ‘The Toy Trumpet’ (audio) que se editó como single acompañada de la que posteriormente sería su tema más conocido por sus infinitas adaptaciones, ‘Powerhouse’. El single fue publicado en 1937 por Master Records. Aquí teneis una actuación en la TV de 1955:

Cada aparición radiofónica era un tremendo éxito de audiencia, sus singles alcanzaron cifras millonarias en ventas y eso le animó a seguir desarrollando sus teorías. Scott era una estrella, un genio que saboreaba el auténtico éxito, pero la crítica le vapuleaba por considerar que todo su trabajo era una payasada, un capricho y que solo pretendía reírse de los músicos serios. Tenían razón en cuanto a lo excéntrico de su trabajo y su persona, pero no había personaje más serio que él a la hora de afrontar su trabajo. Componía todo de memoria, no había partituras, y sus músicos deberían memorizar todas y cada una de las notas, sin lugar a las improvisaciones tan propias del jazz, ni a ningún otro tipo de recurso que no fuese clavar exactamente cada composición tal y como el se las había mostrado. Se trataba de jazz descriptivo, en el que cada nota y cada tono tenía que enmascarar otras realidades fácilmente identificables para el oyente. Todo tenía que ser perfecto. De hecho en realidad era un déspota con sus compañeros, a los que necesitaba, pero a los que no toleraba ni el mínimo error. De este modo la banda se convirtió en un carrusel de entrada y salida de músicos que no soportaban ni la presión ni la personalidad de Scott, que sin embargo era todo lo contrario sobre el escenario, donde derrochaba un enorme sentido del humor. Pero es cierto que muchos estaban dispuestos a tolerarlo a cambio del éxito y prestigio que suponía pertenecer a su banda, continuamente solicitada para poner música en películas y anuncios, como las espectaculares ‘Twilight in Turkey’ o ‘War Dance for Wooden Indians’:

The Raymond Scott Quintet se disolvió en 1939, aunque realmente lo que hizo Scott fue convertirla en una Big Band, eran los años dorados del swing, y su éxito se disparó todavía más. En 1943 vende todas sus composiciones realizadas entre el 37 y el 39 a la compañía Warner Brothers, que comenzaría a incluírlas en sus cartoons (dibujos animados), simpre introduciendo sutiles adaptaciones para continuar el ritmo visual, desde las iniciales series Merry Melodies y Looney Tunes (en las que se incluyeron en 120 capítulos), hasta las más recientes Duckman, The Simpsons o The Oblons, y numerosos filmes hasta la actualidad, que superan el millar de apariciones. Todos y cada uno de los recuerdos que tengáis de Bugs Bunny, el Pato Lucas, Porky, Betty Boot, y un largo etcétera están acompañados siempre por las composiciones de Scott, aunque en realidad él jamás compuso su música para esto, pero sus temas resultaron perfectos. De ahí que sea el más popular y escuchado de todos cuantos compositores han existido en el siglo XX, y sin embargo y pese a su gran éxito su figura se mantuvo durante décadas en el más absoluto ostracismo.

Entre 1942 y 1944 fue nombrado director musical de la CBS, abandonando el cargo para continuar con sus composiciones. En un primer momento atendía encargos para filmes y musicales, pero pronto se encerró en su propio trabajo. Durante la década de los 40 comenzó a experimentar con las posibilidades técnicas de la música pop (recuerden, popular) para explotar un período frenético de creación. Y aunque nunca dejó de tener sus formaciones, como la enigmática The Secret Seven (mientras estuvieron en activo sus miembros eran anónimos), o la Raymond Scott Orchestra (siempre con ilustres colaboradores), ya hemos comentado la mala relación que mantenía normalmente con sus músicos, pero afortunadamente la era de las máquinas había llegado para quedarse, y Scott ya no necesitaría formar una nueva banda para interpretar su música. Durante estos años de investigación mantuvo una intensa actividad como productor para diversas compañías, hasta firmar en 1971 con la Motown de Berry Gordy (el sello más importante de música negra) para desarrollar las producciones electrónicas que comenzaban a imponerse en la época.

Hasta aquí sería unha historia más de un genial músico de éxito, extravagante y huraño, convertido en productor multimillornario y demás anécdotas simpáticas (a muchos rockeros les gustará saber que fue uno de los primeros productores de Bo Diddley entre otros muchos). Lo realmente fascinante vendría de modo paralelo. Durante las décadas de los 40 y los 50 mantuvo contactos con otros pioneros como Les Paul (quien desarrolló las guitarras eléctricas tal y como hoy las conocemos) o Robert Moog (inventor de los sintetizadores, entre otros muchos artefactos musicales, y que mantuvo una estrecha colaboración con Scott durante más de dos décadas), ambos mucho más reconocidos hoy en día por el éxito de sus aportaciones e inventos, accesibles a todo el mundo, tanto económicamente como por su portabilidad. Al contrario, los ingenios desarrollados por Scott atendían a la necesidad de dar solución a la inviabilidad técnica de sus creaciones. Desde muy temprano, Raymond Scott había inventado los primeros relojes con alarma de voz, primero, y con música después, sirenas, timbres, juegos electrónicos y pequeños electrodomésticos para la cocina y la hostelería, ingenios realizados siempre para su familia, amigos, y sobre todo sus hijas, pero esencialmente nos interesan sus extraordinarios artefactos musicales. A comienzos de los 50 crea la Manhattan Research Inc., que se vanagloriaba de ser la mayor instalación del mundo dedicada a la creación de música concreta y sonidos electrónicos. Era en realidad la empresa con la que gestionaría sus derechos y patentes, pero tambien un inmenso estudio de grabación y una gigantesca fábrica-laboratorio en la que se desarrollaban todos sus proyectos, o como rotulaban en la entrada más que una fábrica de pensamientos, un centro de sueños donde la excitación del mañana es posible hoy.

Su desarrollo le costó más de un millón de dólares, pero sin embargo, el Electroniuim fue lo que posibilitó que Berry Gordy comenzara los contactos para en un principio comprar varias unidades del artefacto para la Motown Records, y finalmente Scott fuese contratado como jefe del departamento de investigación y desarrollo electrónico de la Motown. Para ello trasladó todo su laboratorio de New York a Los Angeles, en donde seguiría trabajando en el mayor invento de su vida. En ese momento su salud era ya muy delicada y su ritmo de trabajo fue disminuyendo, aunque sus familiares y amigos dicen que no dejo el trabajo hasta su muerte en 1994.

Pero todavía nos queda otro de sus extraños experimentos. “Shooting Sounds for Baby”. Aclamado por muchos como la quintaesencia del minimalismo musical, era en realidad lo que su título indica, música relajante para bebés. Eran tres volúmenes que fueron publicados en colaboración del Gesell Institute of Child Development en 1964. Para la composición, Scott investigó sobre el terreno todos los sonidos posibles y las respuestas por parte de lactantes para realizar las composiciones, que serían interpretadas con Clavivox y Electronium. Los tres volúmenes se dividen cronológicamente para bebés de 1 a 18 meses, en tramos de 6 en 6 meses. Sus resultados estaban más que comprobados, pero las ventas no cumplieron las expectativas de Scott y el Instituto Gesell, pero aún así la Manhattan Research Inc. aprovecharía para muchas de sus composiciones futuras todas estas texturas. Curiosamente, esta extraña obra fue tomada por Brian Eno y los germanos Tangerine Dream como base minimalista para desarrollar la música ambient a mediados de los 70.

Y todavía nos dejamos otros muchos inventos atrás, como el sintonizador automático de radio, expendedores de productos con voz y un enorme etcétera… que nos llevarían demasiadas entregas. Scott fue un genio enorme, que por arte de magia pasó de la cima del estrellato al más absoluto olvido popular. Solo con su muerte en 1994 comenzó a recuperarse su legado, reeditando algunas de sus obras, progresivamente ya podemos disponer de bastantes títulos en formato digital. Hasta 2008, año en que como a los grandes creadores culturales o científicos, se conmemoró el centenario de su nacimiento, bajo el impresionante lema de The First 100 years of Raymond Scott. Y es que un poco de justicia y reconocimiento nunca viene mal.

Desde ese año se venía preparando el lanzamiento de un documental que recogiese las totalidad de las facetas de Raymond Scott, y con un poco de retraso por fin se ha estrenado a finales de 2010, con la dirección de su heredero Stanley Warnow bajo el título de Deconstructing Dad. The Music, Machines and Mystery of Raymond Scott.

Estos tres veteranos del forró se unieron para grabar un impresionante set de clásicos instrumentales. Nuestro Chef nos invita a escuchar el tema “Asa Branca”, que pertenece al disco “Cada Um Belisca Um Pouco”.

El Forró habitualmente es tocado con acordeón y un ritmo rápido y sincopado. Joe Sixpack, autor de la fábulosa Guía de la Música Brasilera, nos cuenta que si bien hay unos pocos artistas que son reconocidos y pueden ser considerados estrellas en el género, hay cientos de bandas que lo tocan y graban en pequeños sellos regionales. A pesar de haber sido “marginado” durante los años en que reinó la Bossa Nova, el Forró volvió en los 70′s de la mano de Tropicalistas como Gilberto Gil y Gal Costa, que revivieron viejos hits e incoporaron riffs de Forró en sus canciones. En los últimos Gilberto Gil ha grabado dos discos dedicados a este estilo: la excelente banda de sonido de la palícula Eu, Tu, Eles y Sao Joao Vivo.

Dominguinhos, Sivuca y Oswaldinho, tres veteranos del Forró se unen para grabar un impresionante set de clásicos instrumentales, todos tocados con un ritmo maníaco, cada uno de ellos agregando su propia capa a una densa mezcla. Joe Sixpack dice que algunas veces el Forró se le hace un tanto monótono, pero que este disco trasciende las limitaciones del estilo. Los oyentes atentos reconocerán Xote das Meninas, canción popularizada por Marisa Monte. Un disco realmente divertido, con un ritmo que lo vuelve irresistible.

El músico que integra la prestigiosa Big Band de Wynton Marsalis se embarcó en un trabajo que indaga en la obra del exquisito compositor de bandas sonoras. Nuestro Chef nos invita a deleitar uno de los temas de este interesante disco.

Luego de doce años de vida, el sexteto que lidera el baterista “Pipi” Piazzolla, nieto del maestro, se animó a afrontar la obra de su prestigioso abuelo con la singular mirada de su grupo. Nuestro chef nos invita a disfrutar de la versión de “Escualo”.